Under sitt korta men livfulla liv skapade Rafael Santi många mästerverk, som fortfarande inte är lika. Han var en följare av konstnärerna Perugino, Leonardo da Vinci, Michelangelo, men i slutändan uppnådde han perfektion och ett oändligt realistiskt sätt i målningen. Vi vet om den stora variationen i Raphaels målningar, men vi kommer att försöka välja de mest berömda och vackraste verken bland dem.
Raphael Santis 20 mest fantastiska verk:
1
Donna Velata (1516)
Rafael var på topp i sitt arbete när han målade ett porträtt av "Donna Velata" eller "Lady with a Veil". Han var bara 32 år gammal.
Margarita Luti, en vanlig tjej, dotter till en bagare avbildas av konstnären med skräck och kärlek, eftersom hon var hans livskänsla. Rafael var så förälskad i flickan att han erbjöd sin far en enorm kontantlösen - mer än 3 000 dukater. Fornarina, så kallad hans fru Raphael, vilket betyder "bulle". Paret var lyckliga. Och efter 6 år dog Raphael plötsligt. Margarita accepterade inte hennes enorma arv och gick till klostret, där han ansågs vara hans änka fram till slutet av hennes dagar.
Margarita i porträttet visas i kläder av känsliga beige och rosa toner, hennes huvud, som en gift kvinna under ett slöja. Santi, förälskad, förmedlade skönhet och lugn karaktär av sin fru i en förfinad, elegant pose. Margaritas ansikte är lika öm som en persika, hennes ögon är vackra, enorma och är välsignade med lycka. En vacker hals och frisyr är dekorerad med smycken. Margarita avbildas i porträttet som en utsökt juvel, och mästarens beundran för sin modell förmedlas till betraktaren.
Förresten, vi skrev om de vackraste ögonen i världen och deras ägare i vår artikel om most-beauty.ru.
2
Transfigurationen (1516–1520)
Rafael började skriva "Transfiguration" för altaret i Narbonne-katedralen på begäran av kardinal Giulio Medici, men slutförde inte det, eftersom han plötsligt dog av en okänd sjukdom. Målningen avslutades av konstnären Giulio Romano.
Handlingen är baserad på evangeliets berättelse när Jesus Kristus beslutade att avslöja sitt väsen för lärjungarna. Från himlen hörde apostlarna Guds röst att Kristus är hans sanna Son.
Därefter gick Jesus ner från berget med apostlarna, och den olyckliga fadern vände sig till honom med en begäran om att läka sin son från djävulen som hade bosatt sig i honom.
Raphael skildrade Jesus stigande framför allt, som är en symbol för hans gudomlighet. Lite lägre, mitt på duken - apostlarna väntar på Kristus, och folk samlades nedan och väntar på ett mirakel av läkning. Den övre ljusa och luftiga delen av bilden målades av Raphael, och den nedre delen är mörkare av en annan person. Här kan du se handen från befälhavaren, som skrev på ett helt annat sätt.
3
Sistine Madonna (1512)
Rafael målade bilden av Maria och Kristus många gånger, men detta verk, avsett för altaret i Sixtus II-kapellet, blev ett riktigt mästerverk. Bilden av Madonna Santi skrevs från hans fru Margarita (Fornarina). Ett vackert, inspirerat ansikte återspeglar universell sorg och smärtan från en mamma som förutser självofferet för sin son och hans död för hela människans räddning. Längst upp på bilden, omgiven av eteriska änglar, går Mary och håller henne försiktigt i sina armar - baby Jesus.
Barnet är avbildad i full hälsa, med något ojämnt hår. Hans änglliga utseende kontrasterar med sina åldersintelligenta ögon, som om han redan vet allt om sitt öde. Sixtus II och den stora martyren Barbara böjde sig för Marias fötter. Nedanför, på kanten av duken, som om de kikar ut genom ett fönster, ser två busiga änglar upp sorglösa. De ingriper inte i vad som händer, eftersom de i förväg vet vad som väntar Mary och hennes barn.
4
Stanzi (1508-1517)
fresco "Förtjänster och lagen."
Målningen (freskomalerna) av Vatikanens palatsbyggnader, gjord av mästaren tillsammans med sina studenter, kallas Stanza della Senyatura (det så kallade Signature Room). Väggarna i detta rum är dekorerade med fresker "Athens School", "Dispute", "Justice" och "Parnassus." En av de mest kända är freskomålarna "Athens School" och "Dispute". Du kommer nu att lära dig om dem.
5
Aten skolan (1508)
Atenisk skola.
Rafael Santi var en mycket berömd målare bland sina samtida och gick 1508 på begäran av påven Julius II till Rom för att måla Vatikanens huvudsakliga lokaler. En av freskomålarna från Stanzadel Senyatur är en fresco som representerar filosofi. Det kallas "skolan i Aten" och visar ledande tänkare sedan antika Grekland. På de stigande trapporna från den ateniska skolan, under de stora bågarna i centrum, visas Platon och Aristoteles. Platon pekar mot himlen och Aristoteles till jorden och kopplar samman himmel- och markutrymme.
Socrates pratar med Alexander den Stora, Pythagoras längst ner till vänster, i studiekretsen, uppenbarar teoremet. Santi skildrade också den stora samtida Michelangelo i bilden av Heraclitus. Euclid ritar en kompassritning.
Raphael målade över 50 figurer i en fresco. Stegen i den avbildade byggnaden stiger upp och identifierar perioderna för utveckling av filosofi och olika vetenskaper.
6
Fresken "Disputation" (1509-1510)
I kompositionens centrum ligger den heliga treenigheten. Gud fadern, Jesus Kristus och den Helige Ande i form av en duva. Bredvid Kristus sitter hans mor Maria och Johannes Döparen, och sedan sitter på molnet helgon Peter, Paul och andra karaktärer i evangeliet. Under freskerna leder forskare, filosofer och pontiff i kyrkan en teologisk debatt.
7
Fresco "Parnassus" (1511)
Till att börja med kallades denna fresco ”poesi”, lite senare blev den känd som ”Parnassus”, den ligger mellan fresken ”atensk skola” och ”tvist”. Poesi uppskattades högt under högrenässansen och ansågs vara gudomlig konst. På en kulle i mitten av fresken avbildar Apollo spelande ett modernt musikinstrument - lyre da braccio, som ännu inte varit i antika Grekland. Genom detta förmedlade Raphael kulturernas kontinuitet. Runt Apollo, muses och poeter Homer och Michelangelo, som Santi också tillskrev de stora poeterna.
8
Jungfru Marias Betrothal (1504)
Jungfru Marias Betrothal är konstnärens mest vördade verk. Det är en logisk övergång från sättet att måla skolan i Perugino till ett sätt som kommer att utmärka Raphaels skicklighet och bli en milstolpe i den stora renässansens era.
Raphael inspirerades av freskerna från sin lärare Perugino. Genom att underteckna denna målning förklarade Santi, redan som en sann mästare, självförtroende för hela världen.
Huvudfigurerna i bilden är Jungfru Maria och den förlovade Joseph, som sätter en vigselring på fingret. Ett par omges av vittnen om vad som händer. Den blommande personalen i Josefs hand betyder att Maria är utvald av Gud. Stagarna för de andra friarna, som står isär, förblir desamma, och de är trasiga i desperation.
Detta är en av Raphaels mest kända målningar. Färgschemat är mycket lugnt, bruna och gula toner råder i den. Den ljusröda klänningen av Maria betyder Kristi blod och den blå kappan - hennes integritet.
9
Galateas triumf (1512)
Triumph of Galatea är en väggmålning målad av Raphael för bankettens bankett från Siena Agostino Chigi. Hon skildrar nymfen av lugn på vattenytan i Galatea, som flyger genom vågorna, stående på ett skal som dras av delfiner. Hon är omgiven av newts, blötdjur och andra fantastiska marina karaktärer. Cupider cirklade över dem och siktade i alla riktningar med pilarna. Den utsökta fresken är full av glädje och kul.
10
The Beautiful Gardener (1507)
Raphaels "Vackra trädgårdsmästare" visar jungfru Maria och två spädbarn - hennes son Jesus och baptisten Johannes. Den bedårande unga Maria är förkroppsligandet av kvinnlighet, moderskap och gränslös kärlek. Hon vänder sig till Jesus och böjer sig lite över honom. Den lilla Jesus är också allt upptagen i sin mamma, han trygghetsfullt pressade mot henne, och hon stöder honom i armen och axlarna. Idyllen med förståelse mellan mor och barn betonas av deras milda åsikter. Lilla Johannes böjde sig framför Jesus. I hans händer är ett kors, som en symbol för korsfästelsen.
Figurerna passar organiskt in i det vackra landskapet, vilket skapar en känsla av lätthet och molnfri lycka.
11
The Three Graces (1504)
Antagligen skrev ”Three Graces” Santi vid 17 års ålder. Vad fick Raphael att skriva en så komplex bild i så tidig ålder? Santi lämnades tidigt utan mamma och han lockades alltid av Madonnas rena bild som en symbol för ungdom och moderskap. Genom att skapa "Three Graces" kombinerade Raphael bilden av de forntida gudinnorna och ansiktet på den immaculate Madonna, eftersom nådarna var en symbol för ungdom, kärlek och renhet.
De tre nådarna som identifierade dessa vackra upphöjda egenskaper kallades skönhet, kärlek och oskuld. Flickorna på bilden är unga och vackra, deras ansikten lyser av renhet och vänlighet. De håller sig varsamt fast vid varandra och var och en i hans hand har gyllene sfärer - en symbol för de legendariska fullkomliga äpplen som Herakles erhållit. Den centrala figuren i en av graderna vänds med ryggen till betraktaren, de två extrema figurerna vetter mot betraktaren, men deras ögon är riktade i olika riktningar. Denna tidiga målning av Raphael är ett av de första stegen på vägen till oklanderlig perfektion.
Vill du veta vilka kvinnor, enligt most-beauty.ru, är de vackraste idag? Följ länken.
12
"Porträtt av greven Baldassare Castiglione" (1515)
Grev Baldassare - en italiensk diplomat och författare, var ambassadör för hertigen av Urbinsky, tjänade vid domstolen för kung Ludvig XII i Frankrike. Han författade boken "Dialoger på domstolen", populär i dessa dagar, som beskriver utsökta seder och samtal under den bildade Urbinsky domstolen. Raphael skildrade räkningen som en mycket värdig och intelligent man, som en hel natur. Porträttet är målade i mörkbruna toner, och bara färgen på blå ögon lockar uppmärksamhet. Denna självsäkra och lugna look lockar till betraktaren på magiskt sätt.
13
"Position i graven" (1507)
Bland den italienska adeln fanns en tradition, för att hedra en tragisk händelse, att beställa målningar från framstående konstnärer med evangeliets berättelse. Sådan var bilden "Position i graven", som beställdes av Atalanta Baglioni till minne av den avlidna sonen. Det finns många ritningar och skisser gjorda av Raphael innan arbetet påbörjas.
Som ett resultat av ett sådant titaniskt verk föddes en bild med en oklanderlig komposition. Det representerar två grupper av människor åtskilda av två imaginära linjer som skiljer sig åt i olika riktningar. Kvinnor som följer med Jungfruen lutas till höger, män bär Kristi kropp åt vänster. Kristus avbildas i centrum. Hans ideala atletiska kropp liknar Kristus och skulpturen ”Pietta” av Michelangelo, eftersom konstnären vid den tiden var mycket imponerad av kreativiteten i denna titan av skulptur och målning.
14
Fornarina (1520)
Bilden är målad i olja på en träplatta. Konstnärens elever deltog också i det här arbetet. Bilden visar en halvnaken ung kvinna i en utsökt huvudbonad. Modellen var hustru till Raphael, som han ömt kallade "Fornarina", som översätts från italienska som "bulle." Faktum är att konstnärens vackra fru heter Margarita Luti. Santi skrev upprepade gånger sin älskade, hon inspirerade honom i mer upphöjda bilder, till exempel den sixtinska Madonna.
15
Fresco "The Expulsion of Eliodor" (1512)
Handlingen av denna väggmålning lånades från texterna i Gamla testamentet. Befälhavaren för den syriska kungen, Eliodor, försökte konfiskera guld från templet i Jerusalem för de fattiga. För detta straffade Gud honom genom att skicka honom en ryttare i guld rustning. Freskomålen var en allegori om nederlag av franska trupper i påvliga regionen under ledning av påven Julius II, som inte bara var känd som en utmärkt militärbefäl, utan också som en generös filantrop. Detta väggmålning liknar visuellt mallen på Athens School. Kompositionellt är det uppdelat i två lika delar - vänster och höger. På vänster sida avbildade Rafael hans beskydd påven Julius II och en mängd änkor och föräldralösa barn och på höger sida - Eliodor, som drivs ut från templet av en ryttare på en vit häst.
Ett vackert konstruerat perspektiv av kompositionen förmedlar djupet av rymden, vid konvergenspunkten för alla dess linjer avbildas en mindre, vilket indikerar att detta är det andra templet i Jerusalem. Den stora platsen för evenemanget betonas av den rika målningen av valv.
16
“Slaget vid St. George med draken” (1504–1505)
Han lämnade Perugia och gick den unga Raphael till Florens, där han omgiven av stora målare ritade nya idéer och måleri. Målningen "Slaget vid St. George med draken" är målad i olja på ett träd och identifierar övergångsperioden från stilen på den umbriska skolan, som var linjär, till stilen på den florentinska skolan. Santi blev chockad av verk av Leonardo och Michelangelo, deras realism och djupa mening. Den bibliska berättelsen om temat St. George the Victorious var mycket populär, och Raphael kunde inte missa chansen att måla en bild om detta ämne. vit häst George trampar drakens hovar, och helgonen bryter honom med sitt spjut.
St. George är avbildad i medeltida rustning och ser mer ut som en riddare. Draken är avbildad av ett otänkbart saga monster, som kombinerar delar av olika fåglar och djur. Bilden är extremt realistisk, landskapet mot vilket striden äger rum är noggrant skrivet ut, men den täpper inte i förgrunden. Dess dämpade brun-olivgröna betonar perfekt hästens vithet och utstrålningen av ryttarens rustning.
17
“Madonna of the Grand” (1505)
Det finns en mycket intressant artikel om den vackraste Madonnas i Santi på webbplatsen TopCafe.su.
"The Madonna of the Grand" visar den mest populära evangelieberättelsen - Madonna and Child. Det skrevs under stort inflytande av Leonardo da Vinci verk. Detta märks särskilt när man jämför denna bild med tidigare verk av Raphael. Det är tillverkat i sphumato-tekniken, som mjukar konturerna i figurerna, överför luft och rymd. Studier av restauratörer visade att tidigare bakom Madonnan avbildades ett fönster med ett landskap, som i vissa Leonardo-verk. Men därefter målades fönstret över och bildens bakgrund blev helt mörk. Vem som gjorde denna bakgrund - författaren själv eller efterföljande restaureringar - är okänd.
Maria är klädd i en röd klänning med en svart kant, klassisk för 1500-talet, med en blå slöja som kastas över huvudet. Dessa färger är traditionella - röda betyder symbolen för Kristi blod, och blått betyder jungfrulighetens renhet. Marias ansikte är ledsen och lugn samtidigt. I händerna håller hon försiktigt barnet Jesus, som ser ut som ett vanligt barn, knubbig och stark. Därefter använde den här bilden Rafael använde i sina andra målningar som visar Madonna och barnet.
18
“Madonna i stolen” (1515)
"Madonna in the Chair" är en av de vackraste målningarna från renässansen, som visar Madonna och barnet. Modellen för Raphaels målning serverades igen av hans älskade modell, flickvän och fru Margarita. Detta verk återspeglar konstnärens storlek och mognad.
Bildens runda form mjukar upp bilden, gör den mysig och hemtrevlig. Hela rymden är helt fylld med tre figurer - Maria, barnet Jesus och barnet Döparen Johannes. Baby Jesus tar centrum och sitter bekvämt i armarna på sin mor. Mary håller sin son tätt mot henne, medan döparen Johannes tittar på Kristus med bön. Ljusa färger dominerade av blått, saftigt rött, smaragd och gyllene ockrar ser fantastiskt vackert ut mot en mörk bakgrund. Och trots att Mary ser ut som en vanlig jordisk kvinna som kramar sitt barn, hennes eleganta kläder, betonar hennes andliga sublima skönhet Madonnas höga status.
19
Porträtt av påven Julius II (1512)
Det finns två liknande porträtt av påven Julius II, en av dem är Santis ursprungliga verk, och den andra är en kopia av porträttet, gjort av Raphaels lärjungar. Samtida hävdade att påven i porträttet ser ut som levande.Påvens röda mantel ser mycket kontrast ut mot en ljusgrön bakgrund.
Papas ansikte är skrynkligt och inramat av ett grått skägg, hans ögon är tankeväckande och genomträngande, men i allmänhet är figuren av Julius II fortfarande full av styrka och energi. Denna man ledde aktiva militära kampanjer under sin livstid, men samtidigt var han en fantastisk filantrop som stödde arbetet för Leonardo, Michelangelo och Raphael. Ett år efter att porträttet målades dog Pope Julius II men förblev för evigt i Raphaels målning. En unik påve, beskyddare för högrenässans konst.
20
Porträtt av en ung man (1513-1514)
Förmodligen är detta Raphaels självporträtt, eftersom den unga människans ansikte liknar konstnärens enda bekräftade självporträtt. En mycket stilig ung man sitter halvvägs till tittaren. Hans långa bruna hår sjunker avslappnat över axlarna under en berömt sliten basker. En avslappnad inställning, en avslappnad ställning som en ung man antyder att han vet sitt eget värde.
Under andra världskriget stal nazisterna denna bild från gården till Princes Czartoryski (Polen) och gömde den på en okänd plats. Under en lång tid ansågs hon förlorad. Bara många år senare bekräftade den polska regeringen att målningen är säker i en privat samling.
Efterord
Raphael Santis arbete är ett världsarv för mänskligheten. Denna geniala skapare av den stora renässansen gav oss, hans ättlingar, unika och vackra exempel på målning. Han vördades av sina samtida som efter konstnärens död skrev på sin gravsten att naturen under sitt liv var rädd för att bli besegrad och rädd för att dö efter hans död.
Det var en lista över de mest kända målningarna av Raphael Santi enligt most-beauty.ru. Vi kommer att fortsätta att glädja dig med vår vision om de bästa verk av stora mästare. Vi förväntar oss endast objektiv kritik från dig, liksom önskemål och dina tankar om Santis och andra konstnärers arbete.